Por Ricardo Ramírez, Alicia Peralta y Carmen Ojeda
El nacimiento de la fotografía en la primera mitad del siglo XIX produjo una revolución simbólica y técnica que pocos otros instrumentos han logrado equiparar. Por primera vez en la historia la “realidad” podía ser capturada en una superficie. Las imágenes y los recuerdos, por naturaleza fugaces y efímeros, podían ser detenidos. Revolución total.
Sin embargo, la astucia creativa de algunos no se detuvo ahí.
Si se podía capturar la imagen estática, ¿por qué no la en movimiento? Fue así como en 1978, el fotógrafo inglés Eadweard Muybridge logró sacar 24 fotos de un caballo corriendo en ráfaga, que luego fueron unidas para crear una animación. Con este experimento se daba comienzo a la tradición cinematográfica mundial. Hollywood, Marilyn Monroe y James Cameron comenzaron ahí: en una serie de fotografías de un caballo galopante.
La fotografía dio nacimiento al cine y le heredó sus códigos. Ambos soportes comparten la importancia por el encuadre, las angulaciones de toma, el lenguaje de planos, la narratividad y el tratamiento cromático, entre otros. El cine, de hecho, está formado por una serie de fotografías que se yuxtaponen, los llamados fotogramas.
La fotografía: constituyente esencial del cine
A lo largo de la historia del cine, la fotografía ha marcado las producciones diciendo o expresando algo más.
Algunos importantes directores han sabido crear momentos al interior de cada film, logrando atmósferas y sensaciones en el espectador. Alfred Hitchcock y Stanley Kubrick son dos de los más famosos directores que han involucrado la fotografía a sus film de una manera protagónica transmitiendo momentos de tensión y terror.
De esta manera van apareciendo otros nombres en la historia del cine. Aquellos que se dedican especialmente a esa tarea de producción otorgando a la película estética y ambiente. Algunos de ellos son:Ernest Haller, Ray Rennahan ambos trabajaron juntos en Lo que el Viento se Llevó, película del año 1939 que recibió diversos premios, entre ellos el Oscar a la mejor fotografía, debido a su gran capacidad técnica.
Otros fotógrafos premiados con importantes reconocimientos fueron Winston Hoch por Juana de Arco,Joseph Ruttenberg por Gigi, John Toll por Braveheart y Janusz Kaminski. Este ultimo fue un director y fotógrafo polaco que acostumbraba a trabajar con Steven Spielberg en películas como: Indiana Jones, La lista de Schindler, The War of the Worlds o Jurassic Park, Las dos ultimas en un estilo de ciencia ficción.
Belleza Americana, Fargo, El Luchador son películas más recientes que cuentan con gran trabajo fotográfico y han recibido el reconocimiento debido a su trabajo en la imagen en diversos certámenes como los Premios Óscar y los Spirit Awards.
Entre los films más exitosos fotográficamente está El laberinto del Fauno.
Una producción hispano mexicana del año 2006 que contó con Guillermo Navarro como director de fotografía. Su tarea en la película lo hizo ganador del Óscar. Logró transmitir la magia y misterio de los personajes y al mismo tiempo mostrar la cruda época de la Guerra Civil Española.
El maestro de la luz
Otro gran director de fotografía fue el sueco Sven Nykvist. Trabajó con directores como Woody Allen, Andrei Tarkovsky, Roman Polanski e Ingmar Bergman, con quien colaboró en Noche de Circo de 1953. En ella deja ver un estilo sencillo que complementa y dota a la trama de gran expresividad en planos fríos y sombríos que transportan al aura del film.
Durante esta primera etapa adquirió experiencia, siempre al lado de Bergman. En Persona de 1966las imágenes y sus símbolos explican la película, provocan al espectador y lo vuelven reflexivo acerca de la soledad y existencialismo que rodea a sus personajes.
En 1983 trabajó por última vez con Bergman en Fanny & Alexander. El film fue alabado por la calidad estética y emotiva de sus imágenes y ganó el Premio Oscar de 1983 por mejor fotografía. Nykvist basó su estilo en buscar la naturalidad de la luz, ya que evitaba utilizar iluminación artificial. Fue bautizado como “el maestro de la luz”.
Luego trabajó con Tarkovsky en Sacrificio, considerada la película con que el director selló la estética y significado de su obra y reafirma que va más allá de las convenciones cinematográficas. Las imágenes encuentran su belleza en cuadros que reflejan el aislamiento y caos de una interioridad.
Nykvist fallece el 2006 dejando un legado importante en la dirección de fotografía, acompañado de la frase “Less is more” (Menos es más).
La fotografía ha complementado al cine con la belleza y lenguaje de las imágenes y siempre ha formado parte de él. Es por esto que diversos fotógrafos han encontrado en la pantalla la expresividad necesaria para transmitir ideas, emociones e incitar al público a una reflexión. En la dirección de fotografía se encuentra un importante espacio al interior de la producción cinematográfica. Esta involucra la esencia estructural del film y puede ir mucho más allá de lo que nuestros ojos captan.
Retroalimentación en la trama
El cine pronto vio en la fotografía un tema interesante para sus tramas. Muchas películas se han hecho donde los protagonistas son fotógrafos y el argumento gira en torno a su profesión. Palermo Shooting (2008) es un ejemplo de esto. La película trata sobre un fotógrafo de moda que dentro de un viaje de autoconocimiento fotografía un asesinato. Desde ahí todo cambia para él. La película hace reflexionar sobre el poder de la fotografía para captar un momento de la “realidad” que ya no podrá volver a ocurrir pero que, sin embargo, puede tener múltiples consecuencias.
Muchas similitudes con la trama de esta película, tiene Blow-Up (1966). También es un fotógrafo de moda y también descubre un asesinato en medio de una fotografía. Más de 40 años hay entre ambas producciones y las reflexiones sobre la fotografía siguen siendo las mismas. El misterio y el poder de ese momento que se va.
Otro género en el que los fotógrafos han tenido algo que decir como parte de la trama son los biopics –biografías en cine−. En el 2006, por ejemplo, se estrenó la película Fur: an imaginary portrait of Diane Arbus, historia de vida de la famosa fotógrafa estadounidense Diane Arbus.
El cine como inspiración
Henri Cartier-Bresson definió el cine como “La imagen siguiente” . De acuerdo a eso, el cine es siempre lo que viene después: no tanto la imagen vista o proyectada en la pantalla como la que viene luego, capturada en la sucesión. En sentido contrario, ¿puede ser el cine “la imagen precedente”, es decir, la que inspira al fotógrafo en la captura de lo real? ¿Cómo se inmiscuye el cine en el imaginario de un fotógrafo?
No sólo la fotografía ha influenciado al cine, sino que hay una relación recíproca entre ambas expresiones. Muchos fotógrafos se han inspirado en películas para la realización de sus capturas.
Ésto queda en evidencia en la exposición de la agencia Magnum, 10 Secuencias, donde distintos fotógrafos evocan la influencia del cine en su imaginario. Fue coproducida por Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y el Cinémathèque française, en colaboración con Magnum Photos y con el patrocinio de El País.
Los fotógrafos participantes, representantes de varias generaciones y de distintas corrientes de la fotografía documental, señalan las influencias que han tenido de algún director, película o un plano en su trabajo posterior. En la propuesta, que conmemoró los 60 años de la agencia, se pudo debatir sobre la relación que siempre ha existido entre la fotografía y el cine.
Paralelamente a la exposición, se celebraron una serie de actividades que exploraron la relación entre el cine y la fotografía: el taller creativo “Filma, captura y expón”, y el ciclo de conferencias y proyecciones “Bajo la Influencia”.
Participaron los fotógrafos Antoine D’Agata, Bruce Gilden, Harry gruyaert, Gilles Peress, Gueorgui Pinkhassov, Mark Power, Alec Soth, Donovan Wylie y Patrick Zachmann y se expuso en el Cinémathèque française entre el 4 de abril y el 30 de julio de 2007, y en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) entre el 23 de abril y 7 de septiembre de 2008.
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